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Para plasmar el movimiento de un objeto, se debe tener en cuenta que la observación será el recurso más importante, por ende, aprender a ver y conocer detenidamente los movimientos de dichas formas. Cada persona, cada objeto, se mueve de un modo absolutamente particular. Por ejemplo, puedes reconocer a un amigo por la forma en que camina, aun si estuviese disfrazado. De igual manera, los animales caminan, corren y se mueven cada uno a su manera, incluso los árboles se mueven de una manera peculiar durante su crecimiento o cuando el aire los agita.

Una de las características básicas es el dinamismo, tenemos que aclarar que las figuras se mueven en un espacio tridimensional, el cual será representado en el papel o superficie, el cual será logrado mediante el uso de líneas de la perspectiva, y por tanto, generar la ilusión de profundidad y movilidad de la figura. El movimiento debe ser natural, es decir, anatómicamente correcto, por tal motivo antes de empezar a dibujar, estudia cuidadosamente la forma en que se desplaza. Observa la manera en que va cambiando una forma y la coordinación de cada uno de sus movimientos, y los contrastes del mismo. Trata de sentir en tu propio cuerpo ese movimiento, cómo se mueven los brazos al caminar. Mientras, si una rodilla se dobla hacia delante es un desplazamiento anatómico incorrecto.

Es aconsejable empezar con el uso del método que ya conocemos, en el cual primero se plantea un esquema básico de líneas, luego el volumen y los demás detalles, pues con el dominio de la anatomía de la formas lograremos que nuestro trabajo sea creíble desde cualquier punto de vista.

Existen muchas otros elementos que se deben conocer acerca de las formas, además de lo que se puede aprender con solo observar su apariencia exterior. ¿Qué es lo que hace que una forma nos parezca sólida, fuerte, débil, delgada, suave o dura? No es lo que observas en la superficie sino lo que esta en su estructura interna, es decir, el esqueleto y los músculos que componen al objeto.

En la antigüedad, los artistas con gran renombre como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel estudiaron con tanto detalle la anatomía, que sabían más que los mismos médicos de la época, sobretodo en lo que se refería a la estructura ósea y muscular de la figura humana. Sus dibujos anatómicos son tan exactos que, aún hoy en día, los estudiantes de anatomía aprovechan algunos de esos trabajos.

De igual manera, existen artistas que estudian las formas geométricas que tratan de dibujar, entre los cuales tenemos los cubos, las esferas y entre otros. Estos artistas representan las formas generales con las figuras geométricas, sin fijarse en los detalles. Después, crean el dibujo ya sea de la figura humana, el animal o cualquier otra cosa, valiéndose de éstas formas.

No obstante, una combinación de estos dos métodos -el estudio de la anatomía de una figura y el estudio de sus formas geométricas- es el mejor camino a seguir para desarrollar un buen trabajo, ya que nos permiten mantener el sentido de proporción y semejanza la forma de la figura humana u objeto que estemos representando.

Para comenzar a estudiar las formas de los objetos que nos rodean basta, en un principio, con tomar un lápiz de grafito o de color y tratar de copiarlos en un papel o soporte. Pero no te esfuerces demasiado, ya que la idea es simplemente garabatear hasta obtener la forma deseada del objeto a representar. Olvídate de la limpieza.

Por el momento recuerda que estas practicando el dibujo y no con la idea de colgarlo en la pared. Utiliza un papel económico, pero que sea fuerte, que no se rompa o se arrugue mientras trabajas sobre él. Comienza a dibujar el objeto con rapidez y soltura, sin preocuparte mucho por las líneas que vas trazando. Trata de usar la parte ancha de tu lápiz o carboncillo, y emplea el pulgar o tus otros dedos para borronear las formas sobre el papel. Sin embargo, no dejes de pensar en el espesor de las formas que dibujas.

Puedes trabajar en hojas de papel grandes o pequeñas. Mantén siempre un pequeño block cerca, para que en un momento dado puedas practicar cuando observes de algo que te interesa. Estudia detenidamente sus formas y trata de llevarlo al papel. Repite esto una y otra vez, hasta lograr algo que te satisfaga. Domina las formas generales del objeto antes de dibujar algún detalle. Casi siempre los artistas están estudiando las formas de las cosas que les rodean y hacen apuntes simplemente como práctica.

En el momento en que hayas alcanzado que la forma general te satisfaga, toma un lápiz de otro color, determina con una línea firme y decidida la estructura definitiva de lo que hayas dibujado. Este método, en el cual se emplea un color para esbozar las formas y otro de mayor intensidad para realizar el dibujo definitivo, ha sido practicado durante miles de años. Sin embargo, existen otras técnicas para dibujar un objeto, siendo uno de ellos colocar sobre el primer boceto, un papel transparente como croquis o pergamino, y trazar sobre este la misma forma hasta que salga bien.

La perspectiva es un método científico y gráfico con el cual se representan los objetos de forma tridimensional sobre una superficie plana, de tal forma que los mismos parezcan penetrar en el espacio. En sí la perspectiva es una ciencia complicada, aunque ésta es concebida gracias a los distintos sistemas de proyección que permite la geometría.

La perspectiva lineal es la representación que más se parece a la visión humana, la misma plantea el uso de líneas paralelas que convergen en un punto;  las cosas se ven más pequeñas a medida que se alejan de nosotros. Este tipo de perspectiva está conformada por el plano del cuadro o la superficie; la línea del horizonte, situada a la altura del punto de vista del espectador; y los diferentes puntos de fuga, los cuales se unen sobre la línea del horizonte.

En el estudio de la figura humana u objetos, la perspectiva puede ser un arma de doble filo, ya que podemos alcanzar buenos y no tan buenos resultados. Para estudiar la relación de proporción ideal de una figura, sobre todo cuando se halla en posición erguida, es necesario observarla de forma que nuestro ojo se encuentre alrededor de la mitad de la altura del modelo de estudio. Si nos ubicamos más arriba o más abajo de este nivel, el horizonte y su ángulo de visión cambian y, por ende, se altera del mismo modo la percepción de las relaciones y dimensiones del objeto.

No obstante, estas distorsiones podrán ser incluso más acentuadas, alcanzando lo que se desea lograr, es decir, si son representadas conscientemente son de gran efecto. En cambio, el peligro está en no reconocerlas y por tanto, transferirlas al dibujo creyendo haber observado correctamente.

La luz es fundamental para la visión, por ende, una iluminación adecuada es de gran importancia para el dibujo natural, ya que las sombras que se producen dan relieve a la figura y modelan los volúmenes del mismo. En el estudio de la figura humana es preferible el empleo de la luz de la mañana, por ejemplo la procedente de una amplia ventana; o bien de una sola fuente artificial como la de un foco empleado para fotografía, siempre y cuando no cree sombras demasiado nítidas y oscuras. No obstante, para suavizarlas complemente la iluminación con la colocación de una luz débil suplementaria o coloque un soporte blanco (papel, anime, entre otros) de forma que refleje algo de luz sobre las áreas con más en sombra en la figura.

La luz solar de forma directa es muy intensa, ya sea en el estudio o al aire libre, y no esta indicada, ya que hace variar rápidamente la dirección de las sombras. Sin embargo, puede proponer efectos interesantes en el dibujo. Para lograr una buena iluminación en los dibujos, primero observe como la luz influye en el proceso de modelado de la figura, la forma en que pone de manifiesto la estructura ósea y muscular del modelo. Cabe resaltar que una luz en posición frontal aplana totalmente los relieves del objeto.

De igual manera, pruebe orientar sobre el modelo diversas formas de colocación de la  fuente luminosa, y estudie los efectos que los diferentes puntos de inclinación de los rayos luminosos provocan sobre la superficie del cuerpo. Efectos que no se limitan a la forma anatómica, sino que condicionan también el significado expresivo, es decir,  lo que el artista quiere expresar.

La figura en escorzo es complicada al momento de representar pues implica un atento estudio de observación y consideración de la perspectiva, no obstante las posturas insólitas pueden expresarse de forma más eficaz que las de poses proporcionadas. En estos casos será de gran ayuda marcar ligeramente a lápiz la perspectiva del bosquejo y de esta forma tener líneas guías que nos ayuden al momento de construir el dibujo.

En un principio, convendrá simplificar en la figura entera, o parte de ella, con el empleo de formas geométricas, ya sean cilindros, esferas, conos o paralelepípedos. Sin embargo, cuando se posea más experiencia en su construcción, no aplique sistemáticamente este método al tratar de alcanzar las proporciones, ya que puede acabar produciendo el desagradable efecto de una excesiva “construcción” de la figura, haciendo que resulte casi estereotipada, cuando en realidad es necesario conservar las peculiares características del sujeto al cual dibujamos.

Un secreto para lograr la figura en escorzo es que el modelo de estudio pose en posición reclinada o tendida (poses que son más adecuadas para estudiar el escorzo, como se aprecia en la imagen), sobre una gruesa hoja de papel de embalar o se puede usar hojas de periódico, así como en una alfombra o sobre cualquier otra superficie rectangular en el cual los bordes de la cabeza, pies y lados del cuerpo rocen con la superficie, de esta manera se simplificara muchos problemas de perspectiva al momento de dibujar.

El dibujo es una forma de saber observar, contemplar y plasmar el entorno. Todo lo que nos rodea tiene una estructura, y aunque todo objeto puede ser apreciado desde distintos ángulos, siempre nos ofrece unos contornos que lo hacen diferente de cuanto lo rodea y muestra un límite que marca su forma exclusiva de estar en el espacio.

El arte a veces imita, sin embargo es verdaderamente creativo cuando inventa formas que no se dan en la naturaleza, combinando los elementos reales con los imaginarios. No obstante, en ambos casos el artista se enfrenta al reto de plasmar en una superficie las luces, sombras y volúmenes que observa en el entorno.

Un trabajo artístico u obra se podrá considerar terminada cuando la realización logre plasmar la imagen del modelo natural creado por el artista. El grado de realismo o semejanza, será determinado por usted, de todas maneras, el cuadro deberá ofrecer el mismo nivel de acabado.

Luego que se establecen las manchas generales de la composición a realizar, comienza una tarea lenta y que requiere paciencia. Sobre cada mancha básica, trate de representar los colores, que se observan en el modelo natural. De esta forma, cada objeto en el lienzo será más parecido al real.

La pintura directa en el lienzo requiere rapidez, por lo tanto lleve a cabo las manchas generales básicas de los objetos empleados en su composición, en primer lugar aquellos que sean grandes en volumen ( ej: el fondo, jarrones, entre otros).